Why It Matters

The question of whether video games are art was once contentious—Roger Ebert famously declared in 2010 that games could never be art. Fifteen years later, that debate is largely settled in the affirmative, with games exhibited at MoMA, the Smithsonian, and the V&A. The more interesting question now is: what kind of art are games, and what can they do that no other medium can?

Video games are unique among art forms in their participatory nature. A painting is seen, a film is watched, a novel is read—but a game is played. The player is simultaneously audience and performer, observer and agent. This dual role creates artistic possibilities unavailable to any other medium: narrative branching, moral choice architecture, embodied cultural experience, and emergent storytelling that the designer did not fully anticipate. Recent research explores these possibilities through the lenses of narrative structure, cultural heritage preservation, and critical social practice.

The Science / The Practice

Structural Layers of Game Narrative

Meakin (2024) provides a theoretical framework for understanding how video games construct meaning through interlocking structural layers. The paper argues that game narrative is not simply a story told through gameplay, but emerges from the interaction of multiple systems: rule structures, spatial design, player agency, audiovisual presentation, and emergent behavior. This layered model is important because it explains why game narratives feel different from film or literary narratives—the player investigates and acts upon meaning rather than passively receiving it. The framework has practical implications for game designers who want to create artistically meaningful experiences.

Cultural Heritage Through Character Design

Bernacek Petrinec and Stojic (2025) investigate video games as a medium for preserving and reinterpreting cultural heritage, using Croatian Slavic mythology as a case study. Despite its rich symbolic meaning and narrative complexity, Slavic mythology remains underrepresented in mainstream game culture. The paper demonstrates how character design can encode cultural knowledge—visual symbols, mythological narratives, and traditional aesthetics—in a form that reaches global audiences. Games thus function as a cultural transmission medium that is arguably more effective than academic publications or museum exhibitions for reaching younger generations.

Traditional Arts in Digital Games

Sungkono (2025), with 1 citation, examines how Wayang Kulit (Indonesian shadow puppetry) influences video game character design. The paper traces how the aesthetic, narrative, and symbolic elements of traditional performing arts find new expression in digital entertainment. This is a bidirectional relationship: games borrow visual language from traditional arts, and the resulting games create new audiences for those traditional forms. The research suggests that game design can be a form of living cultural practice rather than mere cultural appropriation—when designers work within their own traditions.

Feminist Participatory Game Design

Torres-Parra et al. (2025) present the most explicitly political application, examining participatory design as a methodology for creating critical video games within feminist pedagogy. The development of "Poder Violeta 2"—a game designed to challenge sexual harassment—demonstrates how game design can function as both artistic practice and social intervention. The participatory design method ensures that the game reflects the experiences and perspectives of the communities it addresses, rather than imposing an external narrative. This research positions game design as a form of critical art practice with direct social impact.

Video Games as Art: Analytical Framework

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Dimension	Traditional Art	Video Game Art	Unique Game Advantage
Narrative	Linear, authored	Branching, co-created	Player agency shapes meaning
Cultural encoding	Symbolic, static	Experiential, interactive	Players inhabit cultural contexts
Social critique	Representational	Participatory	Players confront choices directly
Aesthetics	Visual/auditory	Multisensory + temporal	Emergence creates unplanned beauty
Heritage	Preserves form	Reinterprets and transmits	Reaches global digital audiences

What To Watch

The integration of generative AI into game design will create a new category of "infinite games" where narrative content, character dialogue, and environmental detail are generated in real-time rather than pre-authored. This will intensify the artistic questions: if no two playthroughs are alike, who is the author? Watch also for the growing recognition of game design programs within art schools and universities, and for the development of critical game studies as a mature academic discipline that bridges computer science, art theory, and cultural studies.

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면책 조항: 이 게시물은 정보 제공을 목적으로 한 연구 동향 개요이다. 특정 연구 결과, 통계 및 주장은 학술 연구에서 인용하기 전에 원본 논문을 통해 검증해야 한다.

예술 매체로서의 비디오 게임 디자인: 서사, 문화, 그리고 참여적 미학

왜 중요한가

비디오 게임이 예술인가에 대한 질문은 한때 논쟁적이었다—Roger Ebert는 2010년에 게임은 결코 예술이 될 수 없다고 공개적으로 선언한 바 있다. 15년이 지난 지금, 그 논쟁은 긍정적인 방향으로 대체로 마무리되었으며, 게임은 MoMA, 스미소니언, V&A에서 전시되고 있다. 이제 더 흥미로운 질문은 이것이다: 게임은 어떤 종류의 예술이며, 다른 어떤 매체도 할 수 없는 것을 게임은 무엇을 할 수 있는가?

비디오 게임은 참여적 특성으로 인해 모든 예술 형식 중에서 독보적이다. 그림은 보이고, 영화는 관람되며, 소설은 읽히지만—게임은 플레이된다. 플레이어는 동시에 관객이자 수행자이며, 관찰자이자 행위자이다. 이 이중적 역할은 다른 어떤 매체도 제공할 수 없는 예술적 가능성을 창출한다: 서사 분기, 도덕적 선택 구조, 체화된 문화적 경험, 그리고 디자이너가 완전히 예측하지 못한 창발적 스토리텔링이 그것이다. 최근 연구들은 서사 구조, 문화유산 보존, 비판적 사회 실천의 관점을 통해 이러한 가능성을 탐구한다.

과학 / 실천

게임 서사의 구조적 층위

Meakin (2024)은 비디오 게임이 서로 맞물린 구조적 층위를 통해 어떻게 의미를 구성하는지 이해하기 위한 이론적 프레임워크를 제시한다. 이 논문은 게임 서사가 단순히 게임플레이를 통해 전달되는 이야기가 아니라, 규칙 구조, 공간 디자인, 플레이어 에이전시, 시청각 표현, 창발적 행동이라는 복수의 시스템 간 상호작용에서 출현한다고 주장한다. 이 층위 모델은 게임 서사가 영화나 문학 서사와 다르게 느껴지는 이유를 설명해 준다는 점에서 중요하다—플레이어는 의미를 수동적으로 수용하는 것이 아니라 능동적으로 탐구하고 그에 작용하기 때문이다. 이 프레임워크는 예술적으로 의미 있는 경험을 만들고자 하는 게임 디자이너들에게 실질적인 함의를 지닌다.

캐릭터 디자인을 통한 문화유산 보존

Bernacek Petrinec과 Stojic (2025)은 크로아티아 슬라브 신화를 사례 연구로 삼아 문화유산을 보존하고 재해석하는 매체로서의 비디오 게임을 탐구한다. 풍부한 상징적 의미와 서사적 복잡성에도 불구하고, 슬라브 신화는 주류 게임 문화에서 여전히 과소 재현되고 있다. 이 논문은 캐릭터 디자인이 어떻게 시각적 상징, 신화적 서사, 전통적 미학 등의 문화 지식을 전 세계 관객에게 도달하는 형태로 인코딩할 수 있는지를 보여준다. 이처럼 게임은 젊은 세대에게 다가가는 데 있어 학술 출판물이나 박물관 전시보다 더 효과적이라고 볼 수 있는 문화 전달 매체로 기능한다.

디지털 게임 속 전통 예술

Sungkono (2025)는 피인용 수 1회로, 와양 쿨릿(Wayang Kulit, 인도네시아 그림자 인형극)이 비디오 게임 캐릭터 디자인에 미치는 영향을 고찰한다. 이 논문은 전통 공연 예술의 미학적·서사적·상징적 요소들이 디지털 엔터테인먼트에서 어떻게 새로운 표현을 찾아가는지를 추적한다. 이는 양방향적 관계이다: 게임은 전통 예술로부터 시각적 언어를 차용하고, 그렇게 만들어진 게임은 그 전통 형식에 대한 새로운 관객을 창출한다. 이 연구는 디자이너가 자신의 전통 내에서 작업할 때, 게임 디자인이 단순한 문화 전용(cultural appropriation)이 아닌 살아있는 문화 실천의 한 형태가 될 수 있음을 시사한다.

페미니즘적 참여 게임 디자인

Torres-Parra 외 (2025)는 가장 명시적으로 정치적인 적용 사례를 제시하며, 페미니스트 교육학 내에서 비판적 비디오 게임을 제작하기 위한 방법론으로서 참여적 디자인을 탐구한다. 성희롱에 도전하도록 설계된 게임인 "Poder Violeta 2"의 개발은 게임 디자인이 예술적 실천이자 사회적 개입으로 기능할 수 있음을 보여준다. 참여적 디자인 방법은 외부적 서사를 부과하는 대신, 게임이 그 대상 공동체의 경험과 관점을 반영하도록 보장한다. 이 연구는 게임 디자인을 직접적인 사회적 영향력을 지닌 비판적 예술 실천의 한 형태로 자리매김한다.

예술로서의 비디오 게임: 분석적 프레임워크

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차원	전통 예술	비디오 게임 예술	게임만의 고유한 강점
서사	선형적, 작가 주도	분기적, 공동 창작	플레이어의 주체성이 의미를 형성
문화적 인코딩	상징적, 정적	경험적, 상호작용적	플레이어가 문화적 맥락을 직접 체험
사회적 비판	재현적	참여적	플레이어가 선택에 직접 직면
미학	시각/청각적	다감각적 + 시간적	창발이 계획되지 않은 아름다움을 창출
유산	형식을 보존	재해석하고 전달	전 세계 디지털 수용자에게 도달

주목할 동향

게임 디자인에 생성형 AI가 통합됨으로써 서사 콘텐츠, 캐릭터 대화, 환경적 세부 사항이 사전에 저술되는 것이 아니라 실시간으로 생성되는 새로운 범주의 "무한 게임(infinite games)"이 등장할 것이다. 이는 예술적 질문을 더욱 심화시킬 것이다. 두 번의 플레이스루가 동일하지 않다면, 작가는 누구인가? 또한 예술 학교와 대학교 내 게임 디자인 프로그램에 대한 인식이 높아지는 것과, 컴퓨터 과학, 예술 이론, 문화 연구를 잇는 성숙한 학문 분야로서 비판적 게임 연구(critical game studies)가 발전하는 것에도 주목할 필요가 있다.

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